El fantástico Señor Fox

El fantástico Señor Fox, Wes Anderson, Estados Unidos, 2009, 87 minutos
3 de febrero, Sala Oihanburu, Sarriguren.

Sinopsis

El Sr. y la Sra. Fox  llevan una idílica vida hogareña con su hijo Ash y su joven sobrino Kristofferson , que está de visita. Pero después de doce años de tranquila vida doméstica, la existencia bucólica resulta demasiado para los instintos animales del Sr. Fox. Muy pronto regresa a su vieja vida como taimado ladrón de gallinas, poniendo en peligro no solo a su amada familia, sino también a toda la comunidad animal. Atrapados bajo de la tierra, sin alimento suficiente para repartir, los animales terminan por unirse para luchar en contra de los malvados granjeros (Boggis, Bunce y Bean), quienes están determinados a capturar al audaz Sr. Fox a cualquier precio. Al final, éste utiliza sus instintos animales para salvar a su familia y a sus amigos.

Resumen de la sesión

Después del descanso navideño y postnavideño retomamos repasando conceptos. Hablamos del cine de animación, y para ello tenemos que remontarnos a la propia técnica cinematográfica desde sus orígenes (ver la anterior sesión, Nausica). ¿Qué entendemos como cine de animación?  Hablamos de las técnicas que conocemos además de los dibujos animados, en concreto de la técnica del stop-motion, o el animar objetos movidos manualmente, de sus antecedentes y desarrollo. Las marionetas y el teatro de guiñol como claros antepasados de este cine. Mencionamos a otros pioneros, como Ladislaw Starewicz quien en el año 1912 realizó una de las primeras películas en stop motion utilizando como modelos insectos reales que narra la historia de una familia de escarabajos, o Georges Melié y su mítico "Viaje a la luna". Hablamos de cómo una técnica artesanal olvidada en tiempos de la animación por ordenador, fué recuperada por Tim Burton que creció viendo obras de maestros del género, como Ray Harrihausen.

Recordamos  que la frecuencia de grabación es, igual que en el cine convencional, de 24 imágenes por segundo, para que el ojo humano pueda percibir un movimiento continuo. Para 1 minuto de grabación se necesitan 1500 imágenes fijas aproximadamente. Reflexionamos sobre el trabajo que implica, al ser realizada artesanalmente. por segundo, para que el ojo humano pu

Los dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable, llamada en inglés claymation, y las animaciones utilizando objetos rígidos.La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando las figuras se van transformando en el progreso de la animación. Puede también orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso de la película. La película que nos ocupa pertenece al grupo de las de "objetos rígidos" al utilizar muñecos. 
Una niña llamada Miriam nos comenta que ella trabaja la técnica de plastilina en un taller de cine al que asiste, y nos explica los pasos que utilizan: desde el guión a la edición.

Hablamos de la relación entre Literatura y cine, tan evidente en el género infantil. Nos centramos en los relatos con forma de cuento y en las fábulas. ¿Qué es lo que caracteriza a una fábula? Por un lado el que los protagonistas son animales, hablamos del antropomorfismo en nuestra cultura audiovisual: desde Mickey Mouse a  Pepa Pig...,  y por otro y más definitorio la moraleja o enseñanza que nos trasmite este tipo de relato, con el que los asistentes están más que familiarizados, como me demuestran por sus comentarios. esta película se basa en una historia de Roald Dahl, al que todxs conocen por "Matilda" o "Charlie y la fábrica de chocolate", comentamos las características comunes de estas historias, sus héroes atípicos y su manera de solucionar los problemas, cuyos puntos de vista morales característicos hacen que Mr Fox diste bastante de ser una fábula al uso.

Por último hago una breve semblanza del director, Wes Anderson, cuyo cine se caracteriza por la primorosidad de la puesta en escena y la dirección artística, además de por sus personajes excéntricos. En esta cinta se muestra su estilo en todo su esplendor, ya que cada detalle está concebido en función del conjunto, nada desentona ni en forma ni en cuanto a cromatismo. hay que tener en cuenta que todos los objetos que vemos fueron creados ex profeso para la obra.  El estilo que utiliza, distorsionando expresivamente la forma real sin caer en la grotesca caricatura es lo que se conoce como cartoon.

Tras la sesión

La película tuvo una buena aceptación, pero para mi sorpresa encontraron muchos fallos de guión que les habían molestado. La historia les resultaba en algunos puntos, en lo que no me voy a detener,  inverosímil y mejorable. Les pareció, en general, mucho más interesante la estética y la forma que el contenido.

Con respecto al fondo moral de la historia, el mensaje no deja lugar a equívocos, ni da pié a debates: como individuos sociales tenemos responsabilidades a las que muchas veces sería tentador renunciar pero éso tendría un precio. Hablamos del lobo que aparece en una escena , aparentemente sin venir mucho a cuento, y de su significado: la vida salvaje. ¿Qué historias conoceis protagonizadas por lobos y por zorros? ¿Qué diferencias hay entre unos y otros y lo que significan en nuestra cultura? Uno de los asistentes plantea que por qué el lobo de la película no habla ni se viste, y anda a cuatro patas, lo que nos remite a un asunto que siempre ha inquietado mucho al público infantil y planteo a la asistencia: Goofy y Pluto. ¿Por qué Goofy se viste y anda a dos patas y Pluto no, si los dos son perros? Una niña añade entre risas que además Goofy está casado con una vaca. ¿Tiene algún sentido que ésto sea así? ¿Es clasismo lo que hace Disney con los perros? 

Como siempre, nos detenemos a analizar el personaje femenino, que siendo de signo positivo en este caso (con sentido común, leal y provedora de cuidados), no deja de corresponder a un estereotipo de género, en el que la mujer existe en función al hombre, para cuidarlo y ayudarle a centrarse.

También como viene siendo habitual hablamos del héroe y el antihéroe. Mr Fox y la Rata, pero a otro nivel su hijo Ash y su primo Cristopher, en los que se subvierten las características que aparentemente definen lo heroico. ¿Qué es ser un héroe?.¿Hay que ser un poco inconsciente para serlo?. ¿Son los héroes perfectos? .

Me pareció interesante ver qué opinaban del uso de la violencia por parte de los personajes, y tod@s estuvieron de acuerdo en que era en defensa propia, y servía para solucionar,  pero yo no lo tengo tan claro.... ¿Llegan a solucionar sus problemas realmente por defenderse violentamente de la violencia? .

Hablamos del final: en lo que insinúa acerca del porvenir de los protagonistas. Tras un supuesto happy end, se cierne la amenaza. Además: ¿es realmente un buen final, el estar en un supermercado? Algunas niñas comentan lo que comen los animales en el supermercado en la escena final, un detalle en el que yo no había reparado y que resulta triste en comparación a la opulencia de los banquetes anteriores. Y significativo.

Nausicaä del Valle del Viento, Hayao Miyazaki, Japón, 1984. 116 minutos

25 de noviembre, Sala Oihanburu, Sarriguren.

Sinopsis

 En un futuro lejano, mil años después de una guerra de carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva, tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa Kushana, invade El Valle del Viento.

Resumen de la sesión
Al tratarse de la última sesión del año, quise cerrar recapitulando los conceptos que hemos ido abordando en las cinco sesiones anteriores. Empecé, tal como en la primera comentando la idea de qué es una película, qué es lo que entendemos por película (apoyándome otra vez en un trozo de celuloide para iniciar la reflexión), hablamos de la narración, de la ficción, de los cuentos escritos o narrados oralmente y con imágenes.
 Partiendo de que el cine utiliza  24 fotografías por segundo, abordamos el tema de qué es un dibujo animado,  qué es lo que lo diferencia técnicamente de una película de movimiento real. La ilusión de movimiento en forma de dibujos, que es un tema que siempre ha fascinado a la humanidad y se remonta a las pinturas rupestres, les pregunté qué otros ejemplos de dibujos representando las diversas fases de un movimiento les venían a la cabeza y alguien supo responder que el arte egipcio. Hablamos también de los juegos con el movimiento de las imágenes, precursores de los dibujos animados: los teatros de sombras chinescas, la linterna mágica y ya antecedentes directos del propio cinematógrafo como el zoótropo y el praxinoscopio, que utilizan el fenómenos conocido como persistencia retiniana, es decir, que el cerebro contruye el movimiento cuando se le enseñan unas imágenes claves que el ojo retiene. Tod@s conocían o incluso habían hecho flip-books, con lo cual entendían perfectamente de lo que hablamos y participaron muy activamente contando sus experiencias.
Les hablé de las primeros cortos de animación en 1908, de George Melié, y sus trabajos con capas de acetatos,  de los primeros desplazamientos filmados en dibujos de tiza por Blackton en 1906, que Windsor Mc Cay aprendió y desarrolló en el que es considerado el primer film de dibujos animados: "Gertie el dinosaurio", que también recoge los experimentos hechos por Meliés trabajando por capas de acetatos.

Y llegamos a Disney, a la pregunta de quién era Walt Disney hubo respuestas tipo: el de Disney Channel, o el de Disneyland, lo que nos sirvió para plantear la idea de el dibujo animado como industria. Nos remontamos a su primera obra: Oswald, antecedente de Mickey. Les conté como un cuento la historia de Walt Disney, sus orígenes y sus primeros pinitos en la animación de la mano de su hermano en sus ratos libres. Hablamos de "Blancanieves", el primer largometraje de animación y la técnica basada en personas reales utilizada para su realización, y el esfuerzo humano que suponía la realización de esos movimientos , con 18 fotogramas/dibujos por segundo, lo que convirtió a los estudios Disney en una fábrica, que a la larga se convertiría en el emporio comercial que es hoy en día. Ésto nos sirvió para hablar de otro tipo de animación, la llamada animación limitada, que reduce los costes de producción y floreció en Japón. A esta escuela pertenece Miyazaki, cuya primera obra es la que nos ocupará hoy.

La forma de trabajar japonesa utiliza 12 dibujos por segundo  y reaprovecha dibujos/movimientos siempre que es posible. También trocea los primeros planos de los personajes: así, sólo es la boca , por ejemplo la que se mueve, o los ojos. Para compensar la "pobreza" visual se enfatiza el sonido y el sentido del humor. El conocido como anime lleva esta técnica al extremo, utilizando sólo animación real en las escenas de planos largos. Es la llamada animación "en treses", la de Disney es completa, y Miyazaqui utiliza "doses", es decir 12 fotogramas/segundo.

Ya centrándonos en Miyazaki y su obra hicimos una breve biografía en la que hablamos de la importancia de la aviación en su infancia (su padre diseñaba naves) y su llegada tardía al mundo del arte. Hablamos de los estudios Ghibli. de su enfoque artístico del dibujo animado, delicado y cargado de mensajes de amor a la naturaleza y  a la justicia, por lo que aunque sea conocido por el Disney japonés hace que sea diametralmente opuesto al coloso occidental. Entre el público asistente conocían varias obras de este autor, aunque no conocían su trayectoria ni habían reparado en el estilo común de todas ellas.

He de añadir que debido a un problema técnico la sesión empezó más tarde de lo previsto, por lo que acabamos hablando de Japón, de la visión de la naturaleza de los artistas japoneses y del manga y sus raíces populares. Una niña de 11 años llamada Ana resultó ser una especilista en manga y anime y aportó unos cuantos datos definitorios. Eli (un niño muy tímido) aprovechó para contarnos que él se ha fabricado un pequeño cine con una caja, una linterna y muñecos.

Tras la sesión

Debido a la duración del largometraje, y a los mencionados problemas técnicos tuvimos que suprimir el debate posterior. Pero sí hablamos por encima de cual era el tema de la película, alguien dijo amistad, de ahí salió respeto por la naturaleza. Yo introduje el tema de Nausicä como princesa, una persona con poder que no es su belleza o heredar un reino, sino vivir en armonía con el entorno, en equilibrio y buscando entender a los seres que la rodean, lo que la hace sabia y fuerte y obtiene ayuda tanto de las fuerzas de la naturaleza como de su amado pueblo. En contraposición la antiheroína, Kushana, también es una princesa, pero su poder reside en dominar lo que le rodea, avasallando, sin pararse a comprenderlo ni aceptar lo que oculta, por lo que a la larga es quien pierde.

Me hubiera gustado hablar de la ruptura de los esteoreotipos en el film, del papel de los géneros,  de las diferentes edades que interactúan ayudándose y del miedo irracional a lo desconocido, a lo que oculta la realidad. Otro día será.